Ante la avalancha de información cultural noticiosa que recibimos diariamente gracias a la colaboración que me proporciona Arturo Álvarez D'Armas, poeta, fotógrafo y promotor cultural venezolano, así como otros valiosos amigos colaboradores, hemos decidido abrir un nuevo blog de promoción y gestión cultural. Sean bienvenidos todos los amigos interesados en promover la cultura y el arte en general. Pueden enviarnos sus colaboraciones, las cuales subiremos a este blog como entradas tan pronto como las recibamos. Quienes deseen colaborar pueden dirigirnos sus trabajos a nuestro correo personal: René Dayre Abella. Autor y promotor cultural.

lunes, 16 de octubre de 2017


Richard Wilbur, Poet Laureate and Pulitzer Winner, Dies at 96

Richard Wilbur in 2006 in his home at the time in Cummington, Mass. Credit Nancy Palmieri/Associated Press
Richard Wilbur, whose meticulous, urbane poems earned him two Pulitzer Prizes and selection as the national poet laureate, died on Saturday in Belmont, Mass. He was 96.
His son Christopher confirmed his death, in a nursing home.
Across more than 60 years as an acclaimed American poet, Mr. Wilbur followed a muse who prized traditional virtuosity over self-dramatization; as a consequence he often found himself out of favor with the literary authorities who preferred the heat of artists like Sylvia Plath and Allen Ginsberg.
He received his first Pulitzer in 1957, and a National Book Award as well, for “Things of This World.” The collection included “A Baroque Wall-Fountain in the Villa Sciarra,” which the poet and critic Randall Jarrell called “one of the most marvelously beautiful, one of the most nearly perfect poems any American has written.”
In the poem, Mr. Wilbur, observing statuary in a fountain — “showered fauns” — concludes:
They are at rest in fulness of desire
For what is given, they do not tire
Of the smart of the sun, the pleasant water-douse
And riddled pool below,
Reproving our disgust and our ennui
With humble insatiety.
Francis, perhaps, who lay in sister snow
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Before the wealthy gate
Freezing and praising, might have seen in this
No trifle, but a shade of bliss —
That land of tolerable flowers, that state
As near and far as grass
Where eyes become the sunlight, and the hand
Is worthy of water: the dreamt land
Toward which all hungers leap, all pleasures pass.
By the early 1960s, however, critical opinion generally conformed to Mr. Jarrell’s oft-quoted assessment that Mr. Wilbur “never goes too far, but he never goes far enough.”
Typical of complaints in this vein was a review by Herbert Leibowitz of Mr. Wilbur’s collection “The Mind-Reader” in The New York Times of June 13, 1976: “While we acknowledge his erudition and urbanity, we regretfully liken his mildness to the amiable normality of the bourgeois citizen.”
But there were many on the other side who objected to the notion that Mr. Wilbur’s poems were somehow unimportant because they were pretty. Jack Butler, for example, a resident of Okolona, Ark., wrote a letter to the editor in response to Mr. Leibowitz’s review, remarking, “Sirs, the man has had a feast set before him, the very best, and complains because it is not a peanut butter and ketchup sandwich.”
Mr. Wilbur sailed on regardless of which way the wind blew. He won a second Pulitzer in 1988, for “New and Collected Poems”; became the second poet laureate of the United States, succeeding Robert Penn Warren, in 1987-88; and won many other awards over the years, including the $100,000 Ruth Lilly Poetry Prize in 2006, when he was 85. In all, he produced nine volumes of poems and several children’s books, which he himself illustrated.
He was also an esteemed translator of poems and other works from the French, Spanish and Russian, including the plays of Molière and Racine.
Frank Rich, then The Times’s chief theater critic, wrote in 1982 that Wilbur’s adaptations of Molière comedies like “Tartuffe,” “The Misanthrope” and “The School for Wives” were “beautiful works of art in themselves — Mr. Wilbur’s lighter-than-air verse upholds the idiom and letter of Molière, yet it also satisfies the demands of the stage.”
Mr. Wilbur wrote lyrics for opera and musical theater productions, too; among them, Leonard Bernstein’s “Candide.”
Mr. Wilbur served three bloody years as a combat soldier in Europe in World War II, an experience that some critics thought might be a clue to the orderly, generally optimistic nature of his work. Perhaps “the utter disparity between what he saw and what he wished to see made him run for cover,” the poet and scholar John Reibetanz wrote. Mr. Wilbur dismissed this explanation.
“I feel that the universe is full of glorious energy,” he said in an interview with The Paris Review, “that the energy tends to take pattern and shape, and that the ultimate character of things is comely and good. I am perfectly aware that I say this in the teeth of all sorts of contrary evidence, and that I must be basing it partly on temperament and partly on faith, but that’s my attitude.”
Richard Purdy Wilbur was born in New York City, on March 1, 1921. When he was 2, his family moved to rural North Caldwell, N.J., and rented a pre-revolutionary stone house on a 500-acre private estate.
Roaming the woods and fields with his younger brother, Lawrence, Richard absorbed lessons of the natural world that would later fit easily into his poems. At home, immersion in books and the arts was a fact of everyday life. His father, Lawrence Lazear Wilbur, was a portrait painter. His mother, the former Helen Purdy, came from a family of journalists: Her father had been an editor of The Baltimore Sun, and her paternal grandfather an itinerant publisher and editor who founded several Democratic newspapers across the country.
Mr. Wilbur went to Amherst College in 1938, where he contributed poems, essays and cartoons to the campus newspaper and magazine. In 1942 he married Charlotte Ward and got his bachelor’s degree, and it seemed to him that he might become a journalist and write poems as a diversion.
First, though, there was the war. He had wanted to serve as an Army cryptographer but was denied the necessary clearance because his leftist views had raised an official suspicion of “disloyalty.” Indeed, he later said, he once attended a Marxist function at Amherst, and slept through it, but his politics were nothing much more radical than the Roosevelt New Deal policies.
It was at Harvard, where he went for graduate studies after the war, that he began to see poetry as a vocation. His first collection, “The Beautiful Changes,” came out in 1947, the same year he finished his master’s degree. He became an assistant professor at Harvard in 1950 and taught there for four years, the beginning of an academic career that included 20 years at Wesleyan University and 10 years at Smith. He finally went home to teach at his alma mater, Amherst, which honored him on his 90th birthday in March 2010 with readings of his poems and translations.
Beside his son Christopher, Mr. Wilbur is survived by a daughter, Ellen Wilbur; two other sons, Nathan and Aaron; three grandchildren, and two great-grandchildren. His wife, Charlotte, died in 2007.
“Anterooms,” his last collection of new poems and translations, was published in 2010 — a slim volume whose better pieces were “as good as anything Wilbur has ever written,” the Times’s reviewer, David Orr, wrote. Looking back, he observed that Mr. Wilbur had “spent most of his career being alternately praised and condemned for the same three things” — for his formal virtuosity; for his being, “depending on your preference, courtly or cautious, civilized or old-fashioned, reasonable or kind of dull”; and finally for his resisting a tendency in American poetry toward “conspicuous self-dramatization.”
Mr. Wilbur’s work did grow somewhat more personal in later years — he had “crumbled” a bit, as he put it. But his poems were never without wit, grace and rigor, even when they were about the end of things, as in the two-stanza “Exeunt:”
Piecemeal the summer dies;
At the field’s edge a daisy lives alone;
A last shawl of burning lies
On a gray field-stone.
All cries are thin and terse;
The field has droned the summer’s final mass;
A cricket like a dwindled hearse
Crawls from the dry grass.
Correction: October 15, 2017
An earlier version of this obituary misspelled the surname of an American poet. He was Allen Ginsberg, not Ginsburg.
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domingo, 15 de octubre de 2017

El artista que inmortalizó a Sarah Bernhardt

Alphonse Mucha, pintando "Epopeya eslava" EM
Exposición retrospectiva de Alphonse Mucha, bohemio en París y figura capital del Art Nouveu
«Prefiero crear imágenes para la gente a producir arte como un fin en sí mismo». La frase sintetiza el pensamiento artístico de Alphonse Mucha, el artista checo que vivió la vida bohemia de París en la Belle Époque, y cuyos carteles teatrales inmortalizaron a Sarah Bernhardt, la actriz más famosa de su tiempo.
Pero Alphonse Mucha es mucho más que un cartelista popular y uno de los grandes protagonistas del naciente Art Nouveau, movimiento que se proponía borrar las fronteras entre el arte y lo decorativo. Una gran exposición retrospectiva sobre este artista nos muestra, a través de 200 obras, la verdadera dimensión de Mucha, pintor, diseñador decorativo, ilustrador y fotógrafo, que también era un nacionalista con una visión universalista, un místico y, sobre todo, un pensador. Así lo ha señaló ayer John Mucha, banquero y nieto del artista, en la inauguración de la exposición, que permanecerá abierta hasta el 25 de febrero.
Todas las obras de la muestra, organizada y producida por Arthemisia con la colaboración de la Fundación Mucha, proceden de esta institución. Aunque la producción del artista es amplia y variada, sus obras más conocidas están relacionadas con el París bohemio del fin du siècle, cuando realizó Gismonda y el resto de carteles para las obras teatrales de Sarah Bernhardt. «Aquello fue una locura. Nunca se había visto. La gente los arrancaba de las paredes y se los llevaban a casa», recuerda ahora el nieto del pintor.
Tomoko Sato, la comisaria de la exposición y conservadora de la Fundación, señala que los carteles de Mucha eran diferentes a los Toulouse-Lautrec y otros cartelistas de su época, con imágenes más agresivas y colores fuertes. «Mucha empleaba tonos pastel, y se preocupaba por buscar la armonía. Colocaba las figuras femeninas sobre una especie de pedestal y las coronaba con arcos, con lo cual tenían un aire escultural y religioso. A Bernhardt le llamaban la divinaSarah».
Alphonse Mucha nació en 1860 en una pequeña aldea de Moravia. La ocupación prusiana le marcó toda su vida, como se apreciará en las pinturas de su última época. Tras ser rechazado en la Academia de Praga se dedicó al teatro y después estudió Bellas Artes en Munich. Su llegada, en 1887 a París, la capital del mundo artístico, sería clave para su evolución y le daría fama internacional. De hecho, el estilo Mucha llegó a convertirse en sinónimo de Art Nouveau, un movimiento que se propagó hasta 1914.
Unos años antes, Mucha ya había decidido cambiar de estética y de pensamiento. Entre 1911 y 1926 se encerró en un castillo para volcarse en su proyecto más ambicioso: Epopeya eslava, veinte cuadros monumentales en los que el artista va investigando y mostrando la historia y el espíritu del pueblo eslavo con el que tan identificado se sentía. Estas obras se las regaló en 1928 al Ayuntamiento de Praga con motivo del décimo aniversario de la independencia de Checoslovaquia. «Sus contemporáneos se burlaban de él cuando se dedicó a este proyecto. Decían: ¡qué viejito está Mucha, haciendo pintura histórica en la época del cubismo y de las vanguardias!», recordó su nieto.
La exposición de Madrid, que se mueve en el laberíntico espacio del Palacio de Gaviria, comprende seis apartados, entre temáticos y cronológicos. Se inicia, como preámbulo, con retratos familiares, para pasar a Un bohemio en París, que va de sus inicios marginales hasta su éxito popular. «La Nochevieja de 1895, cuando el primer cartel invadió las calles de París, su vida cambió radicalmente», recuerda Sato. El segundo espacio sigue con los carteles y los objetos que Mucha diseñó para la publicidad de bicicletas, cigarros o chocolate, siempre con esas figuras femeninas tan florales. Después, el cartelismo del Art Nouveau va avanzando hacia el simbolismo. El místico, el patriota y el filósofo son los siguientes apartados de la exposición, que se cierra con su último proyecto, los bocetos para el tríptico sobre la edad de la razón, la sabiduría y el amor, un mensaje de paz universal concebido en un tiempo convulso. Murió en Praga poco antes de que estallara la guerra, aunque ya había sido detenido por la Gestapo.

lunes, 2 de octubre de 2017

Cultura - Arte

La Albertina de Viena analiza el proceso creador de Rafael en una gran exposición

Hasta el 7 de enero, el museo reúne 150 obras del genio renacentista, con especial énfasis en sus dibujos y bocetos
Estudio para «La Disputa del Sacramento» (1509), de Rafael
Estudio para «La Disputa del Sacramento» (1509), de Rafael - ABC
EFE Viena - Actualizado: Guardado en: Cultura Arte
Acercarse a Rafael por encima del hombro, mientras creaba los dibujos y bocetos que luego se convertirían en los frescos y pinturas que hoy asombran al mundo. De esa forma presenta la Galería Albertina de Viena al genial pintor renacentista en una nueva exposición que se inaugura mañana. «Para Rafael, el dibujo es la madre de todas las pinturas, de todos los frescos. Sin dibujos, sin cartones, sin modelos, no surge lo que hoy asombra a miles de millones de personas en Roma», dice el director de la Albertina, Klaus Albrecht Schröder.
La muestra, que estará abierta hasta el 7 de enero, reúne 150 piezas procedentes, además del rico fondo de la colección Albertina, de préstamos de pinacotecas como la Galería de los Ufizzi, el Louvre o los Museos Vaticanos. «Esta exposición ofrece muchas cosas nuevas. Por una parte, nunca se habían expuestos intercalados en un proceso los dibujos de Rafael, que son las mayores obras de arte de su género. Desde las primeras ideas, bocetos, composiciones, estudios, hasta los estudios naturales delicadamente ejecutados», explica Schröder.
«San Jorge y el Dragón» (1505), de Rafael
«San Jorge y el Dragón» (1505), de Rafael- ABC
De hecho, el peso de la muestra lo llevan los dibujos y bocetos, 130, frente a 18 lienzos, que se quiere sirvan al visitante para imaginarse al artista y mirarlo «por encima del hombro» -en palabras de Schröder- mientras piensa, improvisa y crea. El viaje por ese proceso creador es cronológico, desde su Urbino natal, pasando por su estancia en Florencia, donde se encuentra con el trabajo de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, y su época de esplendor y éxito en Roma, donde muere en 1520.
Entre las obras más tempranas que incluye la muestra se cuenta «San Jorge y el Dragón», de 1505, o las Madonnas Esterhazy y Colonna, ambas de 1508. Ya en ellas se ve la búsqueda del equilibrio entre la representación veraz de la naturaleza y el idealismo, enmarcado en su capacidad de representar la armonía y la belleza.

Sus trabajos para el Vaticano

La exposición de la Albertina muestra que, más allá de que cada boceto o apunte sea una obra de arte por sí mismo, en los dibujos de Rafael se ve ya que forman parte de un sistema, de un camino hacia una obra final. «Nunca antes se había podido entender ese proceso completo de creación de la imagen hasta la pintura expuesta», explica el director de la Albertina. En la exposición puede apreciarse esa evolución, por ejemplo, en los bocetos de lo que luego sería el retablo de «La Anunciación, la Adoración de los Magos y la Presentación en el Templo», colgados también ahora en la Albertina.
También se observa especialmente en las series de dibujos creados como base para «El traslado de Cristo» o para la «Disputa del Sacramento», uno de los primeros trabajos que realizó el artista para el Papa Julio II, tras instalarse en Roma en 1508. A partir de ese momento, su colaboración con el Vaticano es constante y fructífera. En la muestra se ven también estudios preparatorios para «La Escuela de Atenas», otro de los frescos creados para las estancias vaticanas. En la muestra destacan asimismo las representaciones de Virgen con el niño, varios retratos, incluso uno del propio artista. Además, se presentan atribuidos a Rafael cinco dibujos que hasta la fecha se habían considerado de alguno de sus colaboradores.
La Albertina ha tardado cinco años en preparar una exposición que, según su director, es la tercera más cara desde que el museo reabrió sus puertas en 1998. «Rafael es uno de los más grandes dibujantes de la Historia del Arte y siempre es un placer poder estar tan cerca de él», asegura Schröder.

sábado, 30 de septiembre de 2017

Muere Nati Mistral a los 88 años

La actriz y cantante compaginó el teatro y la canción y fue pionera de los musicales en España

Nati Mistral Ver fotogalería
Nati Mistral en una actuación.
La actriz y cantante Nati Mistral ha muerto a los 88 años en Madrid, según ha confirmado el director del Festival de Mérida, Jesús Cimarro. Mistral fue ingresada el pasado 27 de octubre de 2016 en estado muy grave tras sufrir un derrame cerebral y desde entonces ha estado ingresado en diversas ocasiones en el hospital.
A Mistral le derrotaron su versatilidad y sus últimas apariciones televisivas. Por la primera paseó su talento por el drama teatral, la comedia musical, la zarzuela, el teatro clásico, la música, el cine y los recitales poéticos. Y tanta capacidad influyó en que las nuevas generaciones le recuerden asociada al cine folclórico. Nacida como Natividad Macho Álvarez en Madrid en 1928, de su infancia decía recordar cómo había visto fusilar a miembros del Frente Popular, y por ello siempre fue franquista convencida. En los últimos años participó en diversos programas televisivos y aquí llegó su segunda derrota para la posteridad. De opiniones contundentes, sin filtro –“A mí no me calla nadie”-, se definía como “soy española, madrileña y monárquica, y presumo de muy derechona”. Aseguraba ser “más facha que nadie”, pidió en su momento a la alcaldesa de Madrid, Ana Botella, que recurriera al ejército para limpiar las calles de Madrid o calificó a Pablo Iglesias, de Podemos, como “eso” o “el chico de las fotocopias”. Sobre la televisión creía que había terminado con los “actores de verdad”, porque hoy ninguno sabe “decir y sentir” un texto.
Nati Mistral en la sala del Círculo Catalán en Madrid donde ensayaba la obra de Antonio Gala 'Café cantante'.
Triste recuerdo para una artista que fue la primera cantante española que actuó en la BBC o que estaba considerada como la actriz que más veces había interpretado textos de Federico García Lorca. “No hay un estilo propio de Nati Mistral porque nunca me he sujetado a nada, necesito una constante renovación, ando siempre buscando cosas nuevas”, dijo en una entrevista en EL PAÍS. Nacida en una humilde familia que vivía en las manzanas de detrás de la Gran Vía, Nati Mistral tomo su nombre de la escritora chilena Gabriela Mistral, admirada por su madre. En su adolescencia fue una auténtica niña prodigio, ganando innumerables premios en canción y baile, como uno en Radio Madrid cantando un fado, con lo que obtuvo su primer contrato para la Compañía Infantil del Teatro Español. Aun así, no dejó de estudiar y curtirse en diversas facetas, base de su eclecticismo. Entró en la compañía de Enrique Rambal, a la vez que trabajaba como vocalista de la orquesta de Tomás Ríos, y fue contratada por la compañía de Lola Flores y Manolo Caracol para formar pareja artística con Tony Leblanc. En los cincuenta, de gira en Alemania con la compañía Los vieneses, decidió afincarse en Alemania por un despecho amoroso con Leblanc.
Nati Mistral
Nati Mistral. EFE
De allí volvió en 1957 convencida por Luis Escobar, para que protagonizara varias revistas musicales como Te espero en el Eslava, y Ven y ven al Eslava. Nati Mistral está considerada como la pionera de los grandes musicales en España. Por ejemplo, protagonizó la primera versión en España, en 1966, de El hombre de La Mancha.
En el cine antes de irse había aparecido en Las inquietudes de Shanti- Andía (1947), La nao capitana (1947) o El tirano de Toledo (1952), y en dos grandes éxitos: María Fernanda, la Jerezana (1947) y Currito de la Cruz (1949), lo que la marcó como folclórica. A la vuelta, centrada en los escenarios, solo actuó en la gran pantalla en Mi calle (1960), de Edgar Neville, y en algunos otros papeles menores.
En los años sesenta, devino en presencia frecuente en las diversas revistas televisivas, donde interpretaba sus éxitos como Guitarra, dímelo tú, Yo vi llorar a Dios, No soy de aquí Mimosa, Rosa de Madrid, Monísima, El polichinela, Gracias a la vida, Sueño imposible y Balada para un loco.
Como actriz dramática protagonizó obras como, con la Compañía del Teatro Nacional, Antígona, Fuenteovejuna, Fortunata y Jacinta, Bodas de sangre y Divinas palabras. Y llegaron sus triunfos y reconocimientos: Premio Nacional de Teatro en 1997; el Premio Mayte de Honor en, 2006; o Premio José Isbert de Teatro de 2007, Nati Mistral sumó otras distinciones como el Lazo de Dama de la Orden de Isabel la Católica en 1964 o la Medalla de Oro de las Bellas Artes en 2007. Alejada de los escenarios españoles durante un tiempo, reapareció en 1983 con la obra Isabel, reina de corazones. En 1992, participó junto a Juanita Reina y Rocío Jurado, en Azabache, espectáculo representado en el auditorio de la Expo de Sevilla. Y en 1998 presentó Simplemente Lorca.
Entre sus últimos trabajos teatrales destacan La malquerida, La Celestina, y ya en este siglo La Dorotea, Inés desabrochada y La gracia que no quiso darme el cielo, collage dramatizado de diversos poemas de Cervantes.
Nati Mistral también hizo larga carrera en Argentina y México. En Buenos Aires fue empresaria de su propio teatro –el Avenida- junto al actor Alberto Closas. Y allí logró un prestigio merecido por sus recitales poéticos.
Viuda del industrial barcelonés, Joaquín Vila Puig, fallecido en 1995 y con el que se había casado en 1959, el matrimonio no tuvo hijos.

sábado, 9 de septiembre de 2017

Auschwitz, el campo de exterminio que enorgullecía al nazismo

Tal día como hoy de 1944, las tropas rusas liberaron a los pocos prisioneros que los alemanes no habían asesinado o se habían llevado con ellos
Mujeres prisioneras en Auschwitz
Mujeres prisioneras en Auschwitz - AFP
Cientos y cientos de emplazamientos recuerdan en la actualidad el ultraje realizado por los nazis a lo largo de todo el mundo. Sin embargo, pocos son más tristemente conocidos que el campo de concentración y exterminio de Auschwitz, el lugar en el que los seguidores de Hitler acabaron con la vida de millones de personas.
Edificado en la población de Osweicim, ubicada aproximadamente a 60 kilómetros de Cracovia, Auschwitz tiene el vergonzoso orgullo de ser uno de los campos de concentración nazis en los que más personas fallecieron -entre un millón y un millón y medio de judíos, gitanos y todo tipo de enemigos del Führer-. Hoy en día, en cambio, se alza como un monumento para evitar que las atrocidades que allí se sucedieron caigan en el olvido.

Orígenes y finalidad de Auschwitz

El objetivo de crear un campo en Polonia nació tras la toma de este país por el ejército nazi. Concretamente, se produjo poco después de que Hitler, obsesionado con «germanizar» el territorio conquistado, diera la orden de confinar a todos los judíos en guetos de los que no pudieran escapar. Esta idea, unida a la necesidad de contar con un campo de concentración para someter y aterrorizar a la población local, fue el pistoletazo de salida para la formación de Auschwitz.
En los crematorios se habían llegado a quemar al día 10.000 cuerpos
Sin embargo, la finalidad de este centro no fue en un comienzo la de servir de mazmorra permanente para la población polaca. «En un principio, Auschwitz había sido concebido como una prisión de tránsito (…) donde mantener a los prisioneros antes de enviarlos a otro recinto del Reich; pero apenas bastaron unos días para que quedase claro que funcionaría como un lugar de encarcelamiento más», determina el historiador Laurence Rees en su libro «Auschwitz».
Con la decisión tomada, en junio 1940 llegaron los primeros prisioneros al terreno en el que, meses más tarde, se alzaría esta aberración nazi. Su objetivo, como no podía ser de otra forma, era construir el campo de concentración partiendo de unos sucios e infectados barracones abandonados años antes por el ejército. Así, bajo unas condiciones deplorables y siendo maltratados por los oficiales alemanes, cientos de «enemigos de Hitler» dieron comienzo a las labores de construcción.
Pocos meses después, ya había establecidas muchas de las estructuras necesarias para la vida en el campo y la cúpula del nazismo ya había seleccionado a un oficial para encargarse de Auschwitz: Rudolf Hess. Entre estas primeras edificaciones, destacó por encima del resto el denominado Bloque 11, un edificio en el que se administraban los castigos y se llevaban a cabo las torturas a los prisioneros.

Comienzan los asesinatos

No obstante, la cantidad de detenciones de judíos llevadas a cabo por el ejército nazi no paraba de aumentar, por lo que, apenas un año después (en 1941), el líder de las SS Heinrich Himmler planteó a Hoess la necesidad de crear un nuevo campo de concentración en el que ubicar a los nuevos presos. De esta forma, se inició la construcción de Auschwitz-Birkenau, un centro situado a tres kilómetros del campo principal.
Este lugar, el más conocido en la actualidad, es en el que los alemanes comenzarían la que denominaron como la «solución final», el asesinato indiscriminado de hombres, mujeres y niños judíos con la única finalidad de eliminar esta raza de la faz de la tierra. A partir de ese momento fue cuando se inició el auténtico infierno de Auschwitz.
Tras la aprobación de la «solución final» todo se tornó negro para las miles de personas encerradas en el campo de concentración. De hecho, en Auschwitz vivían en condiciones infrahumanas nada menos que 100.000 prisioneros (unos 744 por barracón, cuando lo normal era un cuarto de esta cantidad).
Puerta de entrada de Auschwitz I
Puerta de entrada de Auschwitz I
Las condiciones de insalubridad (los prisioneros podían ducharse, con suerte, una vez a la semana tras multitud de horas de trabajo) se sumaban a la precaria situación del campo, construido encima de un pantano. Esto hacía que, muy a menudo, el tifus asolara los barracones acabando con toda forma de vida. Pero a lo que más miedo tenían los prisioneros, por encima de a las enfermedades, era a los crueles oficiales de las SS, quienes no tenían reparos en mandar a miles de personas a las recién construidas cámaras de gas.
Así, pronto comenzaron a llegar a la estación de Auschwitz-Birkenau los primeros trenes cargados de judíos. Allí, justo al bajar del transporte, los nazis los dividían en dos grupos: mujeres, niños, ancianos e incapacitados a la derecha; hombres y mujeres fuertes a la izquierda. El primer grupo era conducido directamente a las cámaras de gas, donde los alemanes hacían entrar a la muchedumbre bajo la promesa de una ducha caliente. Por su parte, el resto eran dirigidos al campo, donde eran tratados como esclavos.

La llegada de Mengele

Sin embargo, el verdadero mal llegaría a Auschwitz bajo el nombre de Josef Mengele, un cruel doctor alemán que vio en los prisioneros del campo unos sujetos perfectos para llevar a cabo sus crueles experimentos. «Cuando llegó Mengele, en mayo de 1943, Auschwitz estaba abarrotado con más de 140.000 prisioneros y se extendía por kilómetros en todas direcciones», determinan Geral L. Posner y John Ware en su obra «Mengele. El médico de los experimentos de Hitler».
Según cuentan los supervivientes, la crueldad de este doctor era tal que disfrutaba acudiendo a la estación de tren cuando llegaba un transporte para, además de decidir quien vivía y quien moría como experto médico, buscar cobayas humanas para sus pruebas. Entre sus sujetos de experimentación predilectos se encontraban los gemelos de corta edad, a los que sometía a todo tipo de vejaciones.
En cambio, todo cambiaría para los nazis cuando supieron que el ejército ruso avanzaba a pasos agigantados hacia Polonia para liberar Auschwitz. Conocedores de los crímenes que habían cometido, el miedo les llevó a volar los crematorios en los que, al día, se habían llegado incluso a quemar 10.000 cuerpos.
A su vez, se deshicieron de toda la documentación existente sobre la ingente cantidad de muertos. Finalmente, abandonaron Auschwitz el 18 de enero de 1944. Sólo nueve días después, las tropas rusas liberaron a los pocos prisioneros que los alemanes no habían asesinado o se habían llevado con ellos.

domingo, 27 de agosto de 2017

El controvertido legado de Rommel en Egipto

El Ministerio de Antigüedades egipcio reinaugura el museo de general Rommel con la intención de atraer turistas, pero el legado del militar alemán siguen siendo las cientos de minas antipersona enterradas en el desierto egipcio
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Una de las vitrinas del recién reinaugurado Museo de la Cueva Rommel, que honra «la trayectoria» del militar del Ejército nazi
Una de las vitrinas del recién reinaugurado Museo de la Cueva Rommel, que honra «la trayectoria» del militar del Ejército nazi - A.Alamillos
A.Alamillos El Cairo - Actualizado: Guardado en: Cultura
Durante la campaña de los Afrika Korps alemanes en el norte de África entre 1941 y 1943, las fuerzas del legendario «zorro del desierto» Erwin Rommel eligieron una de las cuevas naturales de la costa norte egipcia como cuartel de mando. Hoy día, esa cueva natural en la provincia egipcia de Marsa Matrouh es un museo que, tras casi siete años cerrado al público, ha sido reinaugurado esta semana por el Ministerio de Antigüedades egipcio.
El «Museo de la Cueva Rommel» acoge una colección de armas, misiles y equipo militar utilizado durante la II Guerra Mundial, así como trajes militares, mapas que muestran los planes de batalla, cajas de archivo de las fichas de los soldados que combatían en las Afrika Korps o copias de periódico publicado por las tropas nazis, y sin embargo, son las más de 17 millones de minas sembradas durante la campaña en el Norte de África de II Guerra Mundial a lo largo de kilómetros del desierto noroccidental egipcio, el peor legado de los mariscales Rommel al frente de las fuerzas del Eje y Bernard Montgomery por los Aliados en Egipto. Las millones de minas antitanque, pero también obuses o misiles que no llegaron a detonar hacen de Egipto uno de los países más minados del mundo, con más de 8.000 víctimas entre muertos y mutilados desde 1980, cuando se comenzó a llevar registro.
A día de hoy, las minas abandonadas durante la II Guerra Mundial en Egipto continúan dejando víctimas
Un pasillo que se asemeja a un túnel excavado en la roca desemboca en la sala principal del pequeño museo, cuyas vitrinas acogen, además de mapas militares y otros restos históricos de la época, recuerdos personales del «zorro del desierto» donados por su hijo Manfred como su abrigo y otras ropas, fotografías, un teléfono y compás personal que Rommel habría utilizado para dibujar los mapas con las perspectivas de la campaña y los movimientos de las tropas en batalla.
El museo, que no es el único celebrando la figura de Rommel en el país, fue cerrado en 2010, y no ha sido hasta siete años después y varios meses de obras de restauración que la gobernación de la provincia de Marsa Matrouh y el Ministerio de Antigüedades han decidido reabrirlo. «La apertura del Museo de la Cueva Rommel subraya el interés que el Ministerio de Antigüedades tiene en fomentar el turismo en el país gracias a la apertura de nuevas atracciones, así como aumentar la concienciación entre la población egipcia sobre su historia», apuntó el ministro de Antigüedades, Jaled El Anany.
Armamento utilizado en la II Guerra Mundial durante la batalla de El Alamein
Armamento utilizado en la II Guerra Mundial durante la batalla de El Alamein- A.Alamillos
En esa misma cueva, reconvertida en museo y destino turístico en 1998 «como una forma de rendir homenaje a la carrera de Rommel» según señala Elham Salah, directora de la sección de Museos en el Ministerio, fue donde la comandancia de las tropas del Eje dirigidas por Rommel vieron fracasar su intento de avanzar en Egipto hacia El Cairo y el Canal de Suez, controlados por los británicos. Tras una exitosa campaña de victorias en Libia, los Afrika Korps y las fuerzas italianas avanzaron hacia Alejandría, sólo para encontrarse con los campos de minas dejados por el general Montgomery para entorpecer el avance de los blindados alemanes. Hasta en dos ocasiones Rommel se estrelló en El Alamein, a tan sólo 100 km de Alejandría. En la retirada de las tropas del Eje, fue esta vez Rommel quien sembró de minas su retaguardia contra el ejército británico que los perseguía.
Centenares de minas quedaron enterradas en los conocidos como «jardines del diablo» a lo largo de más de 287.000 hectáreas de terreno en la provincia de Marsa Matrouh, a apenas 180 kilómetros de El Alamein.
El Ejército egipcio ha limpiado de minas grandes áreas de terreno con ayuda de planes de desarrollo de la ONU, pero a día de hoy las minas siguen cobrándose víctimas. En 2010, el 22% de las minas antipersona o antitanque enterradas alrededor del mundo se concentraban en Egipto, según la Sociedad Árabe para las Zonas Afectadas por las Minas. A las algo más de 17 millones de minas abandonadas por las tropas británicas, italianas y alemanas en el desierto occidental egipcio (según el Gobierno norteafricano, la cifra alcanzaría los 19,7 millones) se añaden cerca de otros cuatro millones en la zona del Sinaí, estas dejadas durante las guerras con Israel.
La proliferación de estas minas abandonadas ha dificultado el desarrollo económico en Egipto, denuncian organizaciones como «Mine Sweepers». «Los proyectos de desarrollo en estas áreas están considerablemente limitados por la contaminación por minas», apuntan. Las minas terrestres fueron plantan en campos, en torno a pozos, fuentes de agua e instalaciones hidroeléctricas, lo que hace que muchas de las tierras que podrían ser utilizadas para proyectos agrícolas sean inutilizables o utilizables sólo con gran riesgo. No es el único problema: según ha afirmado el Gobierno egipcio, grupos terroristas afines a Al Qaida o a Daesh han estado aprovechando los explosivos de estas minas abandonadas.
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